A. Scriabin의 Piano Sonata No.6 Op.62 연구 분석

Abstract

스크리아빈(Alexander Scriabin, 1872~1915)은 첫 교향곡의 연주로 1900년대 러시아의 전위파 음악가들을 출현시킬 만큼 그 어법이 독창적이다. 물론 지속적인 영향력을 갖는 악파를 형정하지는 못했으나, 스크리아빈이 활동할 당시의 일반적인 러시아 음악의 조류를 따르지 않는 자신만의 개성적인 음악 세계를 창조해 낸 점에서 그의 독창성은 높이 평가된다. 스크리아빈의 음악 양식은 일반적으로 3기로 나누어 살피는데, 물론 분류에 대한 학자들의 견해가 일치하는 것은 아니다. 음악 평론가이면서 스크리아빈의 처형인 슐로저(Boris do Schloezer)는 1886~1902년을 초기로 분류하는데, 이 시기는 전통에 기초하면서 낭만적 어법을 따르는 시기로 '쇼팽의 영향기'?? 불리기도 한다. 스크리아빈은 초기에 Mazurka, Nocturne, Etude, Prelude와 같은 낭만시대의 장르를 계승하였다. 관현악곡 ＜Reverie, Op.24＞과 피아노곡 ＜Piano Sonata No.1~No.3＞, ＜12 Etude Op.8＞, ＜24 Prelude Op.11＞등은 대표적인 초기 작품이다. 중기는 1903-1909년으로 자신의 독특한 음악적 양식을 추구하는 시기이다. 신지학을 통한 그의 철학적 성찰은 음악적 양식에 변화를 가져오는데, 마치 인상주의의 영향을 받은 것처럼 보이는 모호한 조성과 화성, 형식과 리듬의 변화를 보인다. 이 시기의 특징적인 작품들은 Poeme 형식의 응축되고 간결한 소품이 많다. ＜Symphony No.3 Op.43 Le poeme divin＞과 ＜Symphony No.3 Op.54 Le Poeme satanique＞, ＜Poeme satanique, Op.36＞, ＜Piano Sonata No.4~No.5＞이 대표적인 작품이다. 말기는 1909~1915년으로 이 시기 작품들에서는 선율적 주제보다는 화성적인 요소가 강조된다. 조성은 없고, 온음음계, 8음음계, 신비화음 등의 새로운 화성체계와 복잡한 리듬 구조를 바탕으로 작곡한다. 대표적인 작품으로는 그의 마지막 관현악곡 ＜Promethee, Op.60＞, ＜Piano Sonata No.6~No.10＞, ＜5 Prelude Op.74＞등이 있다. 작곡자이면서 피아니스트로도 뛰어난 스크리아빈은 많은 피아노 작품을 남겼다. 특히, 10개의 피아노 소나타는 그의 음악 양식의 변화 과정을 잘 나타내고 있다. 본 논문에서 다루고 있는 ＜Piano Sonata No.6 Op.62＞는 1911년에 작곡되었다. 단악장이며 전통적인 소나타 형식의 틀을 유지하는 가운데, 동기나 주제의 순환적인 사용을 통해 곡 전체를 연결함으로써 통일감을 주고 있다. 조성이 없기 때문에 형식 결정에서 조성의 역할은 없다. 신비화음, 온음음계, 8음음계, 반음계적인 동기들의 결합과 응용으로서 진행되고, 종래에 기피하였던 증음정을 비롯하여 감음정, 7도 음정, 해결되지 않는 불협화적인 화성진행을 많이 사용하는 스크리아빈의 화성어법은 기능화성에서 벗어나 무조음악에의 접근을 유도한다. 제시부의 제1주제와 제2주제의 화성적, 선율적, 음계적 동기들은 발전부에서 확대나 축소된 모양으로 다양하게 나타난다. 주제 선율의 변형 · 발전보다는 동기의 반복과 응용으로 곡을 구성한다. 재현부는 제시부보다 장2도 아래 음정에서 시작되며, 종결구는 2부분이 서로 대구(對句)를 이루어 반복되다가 마지막에 4도 구성의 신비화음 위에 7화음 형태의 음형으로 마무리된다.|Alexandr Scriabin (1872-1915) made a unique musical style, so his first symphony resulted in the emergence of Russian avant-garde musicians in the era of 1900. Although he could not found a school of music to affect lastingly, Scriabin was highly evaluated by his originality that did not follow the contemporary Russian music but created a unique world. The musical style of Scriabin generally could be divided by three periods but controversially. According to arguments of Boris de Schloezer, a musical critic and Scriabin's brother-in-law, the early period was continued from 1886 to 1902. In this period so-called 'the affected period of chopin', he ran after traditional forms and romantic styles. At the time, Scriabin succeeded to the romantic genre such as Mazurka, Nocturne, Etude, and Prelude. The key early works were not only an orchestral music Reverie Op.24, but also pieces for piano, Piano Sonata No.1, No.2, No.3, 12 Etude Op.8, and 24 Prelude Op.11. In the middle period from 1903 to 1909, he pursued unique forms by himself. The philosophical meditation through theosophy resulted in the enormous transformation of his forms; his works consequently had been changed into obscure tonality, harmony, and rhythm like being influenced by impressionism. Most of works in this period were characterized by condensed and concise pieces of Poeme forms, for example, Symphony No.3 Op.43 (Le poeme divin), Symphony No.3 Op.54 (Le poeme satanique), Poeme satanique Op.36, and Piano Sonata No.4, No.5. In the last period from 1909 to 1915, Scriabin focused on harmonic factors rather than melodic subjects. The works did not have tonality. By the same token, Scriabin composed several pieces with new harmonic forms and complicated rhythmic structures such as whole-tone scale, octatonic scale, and mystic chord. It was the typical works of this period that were his last orchestral music Promethee Op.60, Piano Sonata No.6~10, and 5 Prelude Op.74. Scriabin, a composer and great pianist, made a lot of pieces for piano. His ten piano sonatas especially showed the varying processes of the style clearly. This thesis studied his work Piano Sonata No.6 Op.62 composed in 1911. In addition to consisting of single movement, this piano sonata maintained the unity to use motives and subjects circularly during following traditional sonata form. Because this piece did not have tonality, the tonality did not have an effect on the decision of form. Not only did this work go with mystic chord, whole-tone scale, octatonic scale, and combined chromatic motives, but also Scriabin used augmented interval, diminished interval, seventh interval, and imperfect dissonant sequence, which had been avoided conventionally. These harmonic expressions showed that his style was free from functional harmony and leaded to approaching atonal music. The harmonic, melodic, and scaling motives of first and second subject in the exposition were expressed by the augmented or diminished forms in the development. The structure of the work was not so much modification and development of theme melody as repetition and application of motives. The recapitulation started with the lower interval by major second compared to the exposition. At last, in the closing section the parallel patterns of two parts were represented; this section finished with figurative seventh chord above mystic fourth chord.