인간의 심상이 투영된 풍경의 서정적 표현에 관한 연구 : 본인의 작품을 중심으로

Abstract

평면에 입체를 그리려는 욕구가 르네상스이래 서구미술사의 추진력이 되어 왔으며, 마네 이후의 화가들은 다시 평면으로 돌아가려는 욕구를 보여왔다. 모더니스트들에게 평면이란 회화의 순수성을 지키는 마지막 보류와 같은 것이었고 평면성을 향한 모더니즘의 집요한 자기 비판의 과정은 캔버스 바탕과 물감의 완전한 일치에 이르게 된다. 그것은 회화가 무엇을 담기를 포기한 그릇과 같은 혼란 속에 빠지게 되는 이유가 되었고 그림이 물체로 전락하지 않기 위하여 시각적 일루젼 또는 회화적 매체로서의 형태를 수호하고자 하는 모습을 보이게 되는 또 다른 이유가 되고 있다. 본인은 그림의 물질적 현존을 거부하지 않으며 오히려 그것을 받아들임으로서 소위 내용이라는 이름으로 화면에 담겨졌던 것들이 작품으로부터 원래의 자리인 작가로 옮겨져야 한다고 생각한다. 그러한 생각은 인간의 삶의 모습을 되돌아보게 하였고 현대사회에서 인간의 삶의 태도가 내면의 세계를 들여다보기보다 겉모습에만 치중하는 태도로 살아가기 쉬운 상태라고 보았으며 이러한 현대사회 속에서 예술의 역할이 그것을 지양하고, 외부의 세계와 함께 내부의 세계까지 인식하며 살아갈 수 있는 삶의 태도를 만드는데 영향을 끼칠 수 있다는 생각을 중심에 두고 본인의 작업은 전개되고 있다. 본 논문의 내용적 연구에서는 인간의 삶의 터전으로서의 집과 자연과 이상의 상징물인 나무를 통하여 인간의 내적 모습을 투영하는 과정과 본인작업의 정서적 배경인 적당한 비움의 미학, 기운, 그리고 사의적 표현의 개념에 대하여 서술하였다. 그리고 방법적 연구에서는 본인 작품의 가장 큰 특징인 채집된 사물의 형상의 평면화와 비대칭적 균형의 원리, 색의 상징성 재료와 기법의 적합한 선택에 대하여 언급하고 있으며 이러한 조형적 요소가 본인이 표현하고자 하는 인간 내면의 투영과 부합되어 호소력을 지니고 극대화되어 표현되고 있는지에 대하여 서술하고 있다. 이 논문은 본인이 1999년부터 2002년까지 여행을 통해 채집한 자?巢湧? 바탕이 되어 2002년 9월에 가졌던 개인전에 출품한 작업들을 대상으로 본인의 작품에 나타난 내용적 측면과 형식적 측면, 이 두 가지 요소가 어떻게 조화를 이루고 있는지에 대하여 연구, 서술한 작품 논문이다.|While the desire to make a three-dimensional drawing on a two-dimensional plane had played a role of the key driving force in the Western art history since the Renaissance, the artists after Edouard Manet had tended to show their desire to return to a plane. To the modernists, such a plane implied the meaning of the last straw to preserve the genuineness of painting, and the process of harsh self-criticism towards flatness led to full correspondence between canvas ground and oil colors. That resulted in the reason the painting circles fell into confusion, as if a container abandons its own essential role of containing something and one of the reasons many pictures showed the aspect of conserving the form as visual illusion or pictorial medium not to degrade to the status of a mere object. The researcher believes that what are contained in a canvas, so-called contents should be shifted to the primary position, or its painter by accepting the physical existence of a picture instead of denying it. This thought gave the researcher a chance to look back upon human life involving varied phases. Consequently, it made the researcher reach the conclusion that our living attitudes were under a bias towards giving undue value to the outward appearance only, rather than looking into the inward world in the modern society. In addition, it was thought that the art should go against such bias and contribute to guiding people to the life attitude recognizing the inward world as well as the outward, in the society. Centered on these thoughts, the researcher's works were developed. In this study, the content study part describes how to reflect human inner aspects through home as a human living field and tree as a symbol of the nature and ideal, and the concepts of aesthetics of omission, vitality and representative expression as the affective backgrounds of the researcher. And, the methodological study part explains the principles of planeness and asymmetric balance among the phases from objects collected as the most remarkable feature of the works and how to select appropriate materials and techniques for color symbolism, and discusses whether these formative factors agree with the reflection of human inner world -that is, which the researcher attempted to express- and are expressed to the utmost with strong appeal. For the researcher's works put on the personal exhibition in September, 2002 on the basis of the data collected through the journeys from 1999 to 2002, this study reviewed what to say, how to say it and how the two factors are well-matched.