신체의 감각과 관객과의 상호작용 연구

Abstract

This thesis focuses on the open spatial structures and extensive participation manifested in the researcher’s artworks. These open forms and participatory qualities result from the researcher’s emphasis on the direct experiences of the audience. For viewers engaging with these works, their senses are activated, and their minds attain deep contemplation and tranquility in the present moment. The artworks become a revelatory space for discovering oneself and the world. Consequently, this study unfolds by exploring how the researcher’s inner anxiety and restlessness can be resolved through profound experiences and quiet reflection, thereby expanding sculpture as a communicative field among the artist, the audience, their inner selves, and the world. Open spatial structures have often been used in art history and philosophy to refer to spatial configurations that reflect an inner worldview, facilitating communication with the external world and expanding the modes and scope of human activity. Participation and embodied experience have been regarded as quintessential methods for communication and activity expansion, centered on the audience. However, 17th-century Cartesian dualism critiqued the reliability of bodily experience, viewing it merely as extended substance (res extensa) and asserting that true cognition arises from rational thought—“I think, therefore I am” (cogito)—rather than bodily senses. In this context, “body and sense” have become pivotal themes in exploring open spaces and embodied experiences. Grounded in philosophical discourse, this thesis analyzes three aspects of body and sense. The first aspect is the sensory body embedded in the researcher’s works, which transcends dualism by integrating body and sense. The second aspect concerns the relationship between the audience, time, and space, linked to Merleau-Ponty’s “space of interaction,” Deleuze’s “nomadic space,” and the concept of “virtuality.” The third aspect involves Deleuze’s notions of “rhizome” and “becoming” as modes of participation and thought. Minimalist sculpture from the art historical context welcomes direct audience experiences, offering examples that expand bodily activity and modes of thinking. These characteristics of “body and sense” are evident in the bodily forms adopted by Antony Gormley and the experiential spaces created by Robert Morris. Open spaces accommodate audience entry, whereas closed spaces resemble houses without doors or windows, isolating the world and others while fostering repetitive internalization that constructs a singular, obsessive worldview. For modern individuals living fast-paced lives, openness and communication in space, time, self, and the external world are increasingly essential. The final section of the thesis explores how the researcher combines open spaces and participatory works to evoke inner tranquility and deep contemplation through the audience’s embodied experiences, analyzing senses as central to the body and defining sculpture as a field for sensory expansion. The expansiveness of the researcher’s works transcends the dualism of subject and object, seeing and being seen, pursuing direct audience experiences and resistance against the busyness and nihilism of modern life. This thesis aims to provide an impetus for sculpture to serve as an open space where audiences can express sensory experiences, explore their inner selves and the world, and promote human thought through its artistic function.|본 논문은 연구자의 작품에 나타나는 개방된 공간과 그 광범위한 참여도에 주목한다. 이러한 개방된 형식과 참여도는 연구자가 관객의 직접적인 경험에 주목한 결과물이다. 이러한 작품을 경험하는 관객에게 있어, 자신의 감각이 활성화되고, 마음은 지금 이 순간 깊은 사색과 평온을 얻는다. 작품은 관객이 자신과 세계를 발견하는 계시의 장이 된다. 이에 따라 연구가 전개되는데, 이는 이 과정을 통해 연구자의 내면의 불안과 초조가 깊은 경험과 조용한 사색을 통해 해소될 수 있으며, 나아가 조각 예술을 예술가와 관객, 관객과 내면 및 세계 사이의 소통의 장으로 확장시키기 때문이다. 개방된 공간 구조는 예술사와 철학에서 종종 내면의 세계관을 반영하는 공간 구조를 지칭하는 데 사용되며, 외부 세계와 소통하고 인간의 활동 방식과 범위를 확장하는 데 활용된다. 참여성과 체화된 경험(embodied experience)은 소통과 활동 확장의 전형적인 방식으로, 관객 중심으로 간주되어 왔다. 그러나 17세기 데카르트의 이원론은 신체 경험의 신뢰성을 비판하며, 이를 단지 확장된 물질(res extensa)로 보고, 진정한 인식은 “나는 생각한다, 고로 나는 존재한다”(cogito)의 이성적 사고에서 비롯되며 신체 감각에서 오는 것이 아니라고 주장했다. 이러한 논의에서 ‘신체와 감’은 개방된 공간과 체화된 경험을 탐구하는 중요한 주제가 되었다. 본 논문은 철학적 논의를 바탕으로 신체와 감각의 세 가지 측면을 분석한다. 첫 번째 측면은 연구자의 작품에 담긴 감각의 신체로, 이는 이원론을 찢고 신체와 감각을 하나로 융합한다. 두 번째 측면은 메를로-퐁티의 ‘상호작용의 공간’과 들뢰즈의 ‘유목적 공간’, “잠재태”와 관련된 관객과 시간, 공간의 관계이다. 세 번째 측면은 들뢰즈의 ‘리좀(Rhizome)’과 ‘생성(becoming)’ 방식의 참여 방식과 사유이다. 극소주의 시기의 조각 예술은 관객의 직접적인 체험을 환영하고 신체 활동과 사유 방식을 확장하는 예술사적 사례를 제공한다. 위의 ‘신체와 감각’의 특성은 안토니 곰리(Anthony Gormley)가 차용한 신체 형태와 로버트 모리스(Robert Morris)가 창조한 체험 공간에서 모두 나타난다. 개방된 공간은 관객의 진입을 수용하지만, 폐쇄된 공간은 문과 창이 없는 집과 같은 공간을 만들어낸다. 이러한 폐쇄는 세계와 타인을 차단할 뿐만 아니라 반복적인 내면화를 형성하여 단일하고 편집적인 세계관을 구축한다. 빠른 속도의 삶을 살아가는 현대인에게는 공간, 시간, 자기와 외부, 자기 내면의 개방과 소통이 더욱 필요하다. 논문의 마지막 부분은 연구자가 개방된 공간과 참여적 작품을 결합하여 관객의 체화된 경험을 통해 내면의 평온과 깊은 사색을 불러일으키는 방식과 감각을 신체의 중심으로 분석하여 조각 예술을 감각을 확장하는 장으로 정의하는 것을 탐구한다. 연구자 작품의 확장성은 주체와 객체, 보는 것과 보이는 것의 이원론을 초월하여 관객의 직접적인 경험과 현대의 바쁜 삶과 허무에 대한 저항을 추구한다. 본 논문이 조각 예술에 계기를 제공하여 관객이 감각 경험을 발산하고 내면과 세계를 탐구하는 개방된 공간으로서, 인간의 사유를 촉진하는 예술적 기능으로 제시되기를 기대한다.